寂静中的惊奇,当电影遇上变声

2019-09-20 19:49栏目:内地娱乐
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在电影技术上向着3D集中,娱乐上向着搞基靠拢的时代,相对成熟的电影则不约而同选择了电影本身这样的题材来讲述故事,比如《雨果》。再如英剧《黑镜》的S1E3,则是选择了思考电影的本体。或许这正是电影人对于本世纪又一次大规模的电影技术革新的思考。
在《雨果》中,马丁斯科塞斯多多少少为梅里爱正了名,梅里爱的电影世界,就是真正的造梦机器。而电影,这个梦工厂,在一个世纪后,继续着其造梦的使命。
1927年电影找到了自己的声音,在经历过这一痛苦的蜕变后,色彩和立体继而顺利附身。《艺术家》大胆地将黑白默片与3D结合,而其所复之“古”,也不过80多年而已。但却就是这短短80年,想来也占了电影百年生平的六七成了。
在大部分观众的眼里,电影是作为一种行动迅疾的消费品而出现。姑且称其为艺术,也是一种迅猛而贪婪的艺术。它像一块海绵,不停地吸取着周遭所有浮华的文化,不停吸收着最新的技术与变化。
在电影人和电影爱好者的眼里,电影在80年前从伟大的哑子变成了视听语言之后,其实质便甚少有所改变。视效声效都可以变,然而叙事还是叙事,镜头语言还是一百年前的镜头语言。

2017年5月,曾凭借《天鹅绒金矿》《卡罗尔》惊艳戛纳的美国独立导演托德.海因斯带着新作《寂静中的惊奇》再度出征戛纳电影节,被认为是新酷儿电影的旗帜性人物海因斯一向以探索同性间欲说还休的复杂情愫闻名,这次却选择涉足儿童题材,该片被不少批评家认为是海因斯导演生涯中最主流的作品。影片改编自知名儿童绘本画家布莱恩.赛兹尼克(Brian Selznick)的同名原著,原书一出版便占据《纽约时报》畅销书排行榜榜首之席,收获了广泛好评,其中《书单》杂志评论它是“一份献给眼睛、心智和心灵的礼物”。

从3D到怀旧  

《艺术家》的故事是普通的,立意也并不新奇。然而导演成功地让黑白和默片这两个因素成为了影片内容的一部分,让它们不再作为手法而脱离影片的表意。因此,这样一个形式上的复古冒险,正是在融入了内涵之后,才能够令人赞口不绝。
影片的“复古”当然不可能回归到默片时代,但仍然是下了功夫的。还原了默片的镜头、配乐、夸张表演,注重了黑白片的布景、打光和最重要的场面调度。具体镜头比如George从拍卖会出来的马路后景的“lonely star”;George在与成名后的Penny见面时的楼梯,使George仰视Penny的设计,都是值得注意的。
导演完全回归到镜头语言的使用,于是一眼看来便是令人惊艳的洗尽铅华。而在返璞归真的手法中,确实能看到影片的真诚。
配乐上,情绪和节奏的转变很是分明。其中George梦里声音的设计实在可圈可点——突然,一切都有了声音,只有自己没法出声,随着一声羽毛落地的巨响,George的梦醒了,影片至此的气氛也由欢快明朗转向了阴郁甚至恐怖。
此时,我们甚至可以理解有声片何以经历了如此难产的过程:当我们看到这段梦的时候,会觉得很自然,当然杯子是会发出声音的;可在George的梦里,有声是多么可怕的一件事!

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2月底,第84届奥斯卡金像奖颁布,抢占风头的《雨果》和《艺术家》于意料之中包揽数项大奖,《艺术家》夺魁最佳影片,导演和男主角,顺手夺得了最佳服装设计和配乐奖项;而主打技术流路线的《雨果》则包揽最佳摄影、视觉、音响、音效剪辑和美术指导奖项,成为了本届奥奖最炫目的一对双生花。而颇具深意的是,虽然立意不同,表现手法多样,《雨果》和《艺术家》却都用自己的方式走了同一道路线——向经典致敬。
近年来的奥斯卡奖越来越被指责为附庸“老白男”(评委绝大多数为老年白人男性)的口味趋势,从去年的《国王的演讲》到今年的《铁娘子》,中规中矩的历史性题材和古典风范表现手法一直备受学院奖青睐。而《雨果》和《艺术家》,分别通过向上个世纪的电影人和制片方式致敬的两条主线,在当下炫彩大片的时局中玩了一把古董怀旧风。

George是一个不愿意改变,无法存活在声片时代里的默片演员。他相信自己的艺术,却始终“refuse to talk”。他也一直在和自己纠结,影片中主要通过镜子来体现。第一次镜子的出现是他和Penny一见钟情的时候,镜子里两人正要接吻,却被镜外推门进来的司机打断。当George落魄后,斜拍他看到镜面桌子里的自己,把一杯酒洒了上去,相当漂亮的一个镜头。再有,他在酒吧喝醉了以后,看见自己样子的小人率领丛林士兵来对抗他,同样是自我纠结。最后,他对着放映屏幕上自己的影子发起了火,喊道:get back, you loser! 之后,他终于爆发,便放火烧了胶片。
Penny在医院拉开胶片看着一帧帧两人拍戏跳舞的画面时,是影片第一次把我震撼的地方。这个深爱电影的过气的艺术家,把爱情也存在了胶片里。
火场保命之后,他赌气从Penny家里出来,对着商店的橱窗自我欣赏时,终于还是受够了刺激,回家自杀。另一边,Penny发现大事不妙后开车追来。这一场平行剪辑,个人认为最大亮点就在于狗狗疯狂阻止主人,和最后“bang!”的一声字幕。
之后两人的对话没有配乐时,我就开始期待什么时候会发声了。当然,等到了最后。
一个喜剧收场之后,我们听见了喘息声,喘息声,喘息声,终于,一声“cut!”在万众期待中出现。镜头拉远,我们安详地看着这个繁忙的剧组,在最后一声“action!”中,剧终。这也是我第二次的震撼。

《寂静中的惊奇》电影剧照

技术,与思想同行
《雨果》从最初的海报到预告,宣传效果会让人误以为是一部辅以出彩3D效果的儿童剧题材的影片。然而,12岁的法国孤儿雨果和玩具店店主养女伊莎贝拉的真挚友谊不仅仅是讲述了孩子们为修复雨果父亲遗留下来的一个会写字作画的机械人所付诸努力,最终破解谜题的故事,背后的核心则是默默地表现向电影人前辈乔治•梅里爱的致敬与问候。单就影片技术制作的效果来说,电影的视觉特效和画面是精彩绝伦的。从一开头那个俯视巴黎的全景,逐步推进至火车站和大钟的长镜头,其视觉效果之震撼唯美就依赖了杰出的CG技术。而不可否认的事实是,导演马丁•斯科塞斯就自称为“3D电影死忠粉”,他在年轻时横扫了当时所有能接触到的3D电影,同时也将此技术应用到这样一部以儿童为主人公却绝非仅仅是一个童话故事的电影当中。
跟随者机械控男孩雨果的视角,观音者能领略到钟楼间数不清的宏大管道、发条和齿轮的有序运作,其场景之精细令人叹为观止。而纯度极高的明黄、深蓝与暗色系的对比,更因技术为电影抹上了浓烈的复古风范。虽然制作手法仰赖了科技,但影片折射出的复古怀旧和人文意味却大大削减了冰冷的技术感;作为一部描述故事发生在法国的美国电影,影片中的诸多细节都是在向老巴黎的经典文化致敬。不光是凝固时间于石材之间的美轮美奂的巴黎街巷和中古建筑,其间,法国作曲家圣•桑的《骷髅之舞》作为黑白老式电影的配乐,电影中对巴黎久负盛名的现代建筑代表之一圣日内维耶图书馆(Bibliothèque Sainte-Geneviève)的展现,于不经意中展现经典文化的魅力。
影片中,各种细节均和经典相呼应,在梅里爱的玻璃工作室中再现他生前的1903年导演的《仙女国》,采用了精致的布景和手工上色技术,展示了当时天马行空的想象力;崩塌的火车之3D特效带来的惊悚感,不亚于1896年,电影发明者卢米埃尔兄弟拍摄的第一批影片《火车进站》中,观众们逃离于呼啸火车展示于银幕之上的惊慌失措。而电影中最经典的一幕,小男孩雨果在逃离抓捕的万分紧急关头挂在大钟的时针上的镜头,则毫无例外地借鉴了1923年哈罗德•劳埃德在《最后安全》里的经典演绎。而乔治•梅里爱唯一流传下的电影——1902年《月球旅行记》,则是全片的线索,那个一只眼睛被撞入飞船的月亮脸则是全片的线索,也是回归经典的象征符号。咔咔作响的老式放映机展现的虽是黑白的画面和无声的静默,而影片中科技手段和炫目的特技效果最终指向的是对老一代经典的尊重和重现。怀旧风格在今年的大行其道,但其后折射出的更是面对问题的态度和对电影手法的思考——是否为了科技而必须只能科技。

这并不仅是一个默片演员如何沦落的故事,它通过有声电影的难产,或许正暗示了当代电影人在技术革新中的自我思考。
梅里爱太执着于自己的舞台,最终不敌卢米埃尔兄弟,那时的电影,还只是几个舞台,几个简单的实景。如今,人们搭上一座影视城来拍电影,用上了各种道具与特效,一部看似简单的动画片甚至需要成百上千人的团队。电影从没简单过,然而还是如此疯狂地发展着。
所有为电影而奉献的艺术家们,让我向你们致敬。
而当电影遇上改变时,除了思考,或许还有落魄与尴尬吧。

《寂静中的惊奇》讲述了两个年纪相仿但相隔五十年的孩童相似的故事,采用了双线交织的结构。故事的时代背景分别是上世纪20年代和70年代,主角分别是一位名叫罗丝的女孩和一位名叫班的男孩,小女孩是天生的聋哑人,小男孩则因遭遇雷击失聪。两人均逃离家乡只身前往纽约,罗丝渴望遇见一位著名的女演员,而班则是在相依为命的母亲过世后、在房间里意外发现了关于父亲的线索,试图寻找素未谋面的父亲。故事结尾班最终抵达了寻途的终点——美国自然历史博物馆,在那里他遇到了老年罗丝,原来罗丝是他的奶奶。令人惊奇的是,罗丝把一生都奉献在制作博物馆的纽约模型上,而她的儿子、班的父亲的每个人生足迹都被藏在模型里。

昨日重现
如果说《雨果》是在借用3D向先人之境,那么《艺术家》则是实实在在地用传统的默片手法将复古主义做到极致。《艺术家》中,杰出的默片演员乔治•瓦伦丁无法同样在有声世界中如鱼得水,而被他提携的新星演员佩皮•米勒则在全新的有声电影中大放光彩。对比之下,乔治对默片表演艺术的坚持更显得落寞而悲剧性——发展和进步通常都是伴随着某种程度的自我牺牲。《艺术家》中,最为动人的镜头之一则是佩皮闯入了乔治的化妆间一幕。拥抱着仰慕者衣装的慰藉,那一瞬间仿佛时光流转,无声中蕴含万般情绪,非常动人,引人遐思。
而在影片末尾,二人完美合作演出了一段踢踏舞,昔日的默片明星在有声世界中终于有了重新焕发其魅力的一面。当男女主人公向镜头作出致意之势,音乐渐消;兴奋的喘息声和环境背景杂音从黑白时代的静默中缓步升腾,其隐藏寓意令人为之动容:一个有声新世界终于展开,时代的发展自然有其无奈,而更多地给予了未知的新希望。

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    在电影制作科技日益飞速前进的时代,观众的视觉神经一次次被宏大的特效场面刷新纪录,拥有炫目的特技效果和火爆动作场面华丽与否似乎成为了检验大片好坏的唯一标准。然而,技术和传统并不矛盾,在运用特技手法的同时亦可以表达亘古以来人类几乎未曾有所改变的美善情感。《雨果》以其出众的3D视觉效果铺陈了一个带有浓浓情意和人文意味的动人故事,《艺术家》则是借默片形式唤起观者和制作人对电影发展最初阶段的那份情愫。复古和怀旧不是固步自封,恰是对当今整个浮躁的大环境下的一次反思;而正视这一点的意义,则影响了有限银幕世界的背后,更为广阔的社会天地。

布莱恩.赛兹尼克(Brian Selznick)

赛兹尼克一贯融合精简的文字与精美的绘画来讲述故事,不少人评论说阅读他的书总有种欣赏大片的感觉。在该书中,赛兹尼克再次突破常见的创作模式、尝试新的叙事方法,不但融合文字与绘图共同叙事,而且展开两条不同的故事线:文字部分讲述小男孩的故事,绘图部分则刻画小女孩的经历。双线并行的结构一开始或许会给读者带来错觉,误以为两个故事是平行的,直至结尾谜底才揭晓:两个故事是紧密地连接在一起的。绘本小说这一形式结合了文字与绘画两种表现手法,不同于大多数作家和插画家联手打造、以插图衬托文字的绘本,赛兹尼克的作品是出自一人之手的完美结合体。

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《寂静中的惊奇》及其内页图

而导演海因斯选择以黑白默片的方式来讲述20年代的故事、运用彩色有声镜头来表现70年代的场景,黑白彩色交替出现,以极具艺术表现力与感染力的镜头语言来诠释这份令人惊奇的寂静。赛兹尼克的原著不仅提供了故事,其精美绝伦的铅笔画也为镜头设计提供了极其重要的参考,甚至可以被称之为现成的分镜剧本,此外,赛兹尼克也作为编剧参与了该书的电影改编。镜头是更加直观的,延伸和丰富了原著的人物形象与故事戏剧性,海因斯高超的电影化技巧在影片中显露无疑,尤其是在音乐、镜头、服装设计方面。作为一部以聋哑儿童为主角的影片,对话显然是次要的,因此海因斯在配乐上下了一番大功夫,多种类型的音乐(例如古典、现代、摇滚等)在适当的时候出现,为剧情的推进、情感的表达、气氛的渲染增色不少。虽然有批评家认为影片对音乐依赖过度、导致情感被过度渲染,但不可否认的是,影片的配乐着实使得故事显得更具感染力。影片同时隐藏着对默片时代的致敬,海因斯通过融合现代元素与惯用默片手法,例如用钢琴声模仿现场音效,打造了极具年代性与怀旧气息的现代“默片”。当罗丝在和班讲述家族历史时,影片选择以纸片定格动画的形式呈现,对各类叙事技巧的使用不只是拼贴,而是以多样化的影像呈现方式和精彩的画面语言来讲述这个包裹着探险外衣的亲情故事。影片的服化道也收获了极高的口碑,一向对美学细节要求严苛的海因斯此次依旧施展了自己在视听方面的才华。

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《寂静中的惊奇》电影工作照

布莱恩.赛兹尼克的另一部作品、荣获美国童书凯迪克奖的绘本小说《造梦的雨果》早些年被改编成电影也曾引起极大的关注。赛兹尼克谈到,创作这部作品是受到了盖比?伍徳的《爱迪生的夏娃:探求机械生命的魔术史》的启发,在阅读伍德小说的过程中,他得知不少关于机械发条玩偶(即机器人)的故事,脑海里不自觉浮现了雨果——一个热衷于修复遭受损毁的机器的小男孩——的形象。一向以拍摄纽约中下层社会生活的写实电影见称、尤其擅长刻画充斥着雄性荷尔蒙、血腥暴力画面的当代美国导演马丁?斯科塞斯,出乎意料地被这个儿童奇幻故事深深吸引。值得一提的是,《雨果》还是马丁斯科塞斯的首部3D影片。

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《雨果》电影海报

故事主角小男孩雨果是个天生机械控,身为钟表匠的父亲因火灾丧生后,他被唯一的亲人、负责管理车站钟表的伯父带到新住所——巴黎火车站钟楼。然而,伯父游手好闲、终日在外游荡,雨果不得不担起了敲钟的活儿,他在这个公共场所秘密生活,生怕被火车站的警察发现(会被送到孤儿院)。雨果把对父亲的思念转移到其生前留下的唯一物件身上——父亲从博物馆带回来的、因机械故障无法正常运转的机器人。雨果不时在玩具店偷零件,试图修好机器人。不料,有天他被脾气暴躁的店主乔治?梅里爱当场抓获,却因此结识了梅里爱的养女、年纪相仿的伊莎贝尔,两人一起探寻了机器人以及梅里爱的秘密:原来梅里爱是无声电影时期至关重要的电影艺术大师,由于种种原因(公司自身经营不善、一战爆发对电影行业造成巨大冲击、梅里爱的创作遇到瓶颈、缺乏新意的作品逐渐失去了观众的喜爱等),堪称“法国电影第一人”的梅里爱晚年却沦为在火车站贩卖玩具的商贩。令人欣慰的是,这个故事有着幸福的结局,得益于雨果等人的努力,梅里爱的电影作品重获关注,不久后,一场以致敬梅里爱为主题的回顾展成功举办。这一结局与史实是基本吻合的,虽然背景原因有所出入:1929年,在实验电影人莫克莱尔的倡议下,在巴黎举办了梅里爱回顾展。

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电影《雨果》剧照

乔治.梅里爱是所有研究电影史的人都绕不过去的名字,他与卢米埃尔兄弟等人一道被认为是早期电影重要的奠基者,如果说卢米埃尔是纪实片的先驱,梅里爱则是科幻片的创始人。舞台魔术师出身的梅里爱与同时期许多巴黎人一样,在第一时间观看了卢米埃尔兄弟的活动影像。梅里爱当即被电影这一新发明所吸引,他认为这是比传统魔术更为神奇的“魔术”。然而,当他向卢米埃尔兄弟要求购买“电影机”时,却遭到了拒绝,但梅里爱没有放弃,而是立志自己搞出一番天地,最终他不仅制造出自己的电影机,还建筑了摄影场,即“造梦”玻璃屋摄影棚,拍摄自己独具一格的“魔术”电影。梅里爱对电影发展的贡献主要体现在对特技手法的探索,短短几年间便开创了叠化、多重曝光、延时摄影、图画上色等一系列拍摄技巧,并对当时已经存在的各种电影表现手法予以创造性的应用。书籍和电影里讲述的故事与梅里爱的电影生涯大体吻合,而虚构的桥段,例如与雨果相遇的桥段和知情人对梅里爱电影生涯的怀念,则为历史史实增添了一份童话般的温情。

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刚刚已经提到,在赛兹尼克的作品中,文字与插图是融为一体的,插图不是文字的辅助解释,而是叙事的一部分,同样起到推进故事发展的作用——赛兹尼克画了两百多页精致的分镜图。书籍开头即是由远到近的连环插图,一开始是对小男孩生存环境的描绘,之后逐步聚焦到个体形象身上,用电影语言来说是从全景镜头到特写镜头的变换,这类镜头感极强的叙事手法贯穿全书,例如使用一连串的插画来描绘追捕镜头。赛兹尼克的书是极具电影感的。

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《造梦的雨果》内页图

马丁.斯科塞斯电影版的《雨果》从一开始便采用快速剪辑来交代时代背景,上世纪三十年代的巴黎,影片以多角度、突出细节的运动摄影和长镜头营造出一种意味悠长的复古情怀,镜头里的巴黎被赋予了梦境的质感,与早期电影“造梦”的母题不谋而合。影片备受赞誉的是其繁复精巧的场景制作,例如故事的主要地点——巴黎蒙帕纳斯车站,主创在英国的Shepperton影棚高度还原了当时的场景。而与一丝不苟的高仿场景相匹配的是极具怀旧气息的暖色调,不同于自然色调,影片关注的焦点在于如何更好地凸显胶片般的质感,这让人想起早期电影人对颜色的尝试,例如使用tinting、toning等染色法渲染出颇具奇幻气息的色彩。从主题上来说,《雨果》是一部迷影性质极强的作品,惊人的视觉表现力背后隐藏着的是对早期电影的怀念,斯科塞斯通过这部电影表达了对不断探索与尝试的电影先驱们的敬意。赛兹尼克更多是在史实的基础上创作令人浮想联翩的温馨故事,而在斯科塞斯的眼里,《雨果》是一封写给早期电影人的情书——电影是迷影人做的一场久久不愿醒的梦。

两部作品均从边缘化儿童的视角切入,主角的身份背景出奇得相似,都是刚刚成为孤儿、十岁左右的儿童,他们都对世界有着天真单纯的期待与向往,却由于经济拮据和家庭不幸,只能过着举步维艰的生活。主题上的相似体现在对父亲的情感上,可以说班和雨果的故事的核心都是寻父,班寻找的是生父的足迹,而雨果在寻找完成父亲夙愿的方法,与此同时,在旅途中他们探寻、了解和发现了自己内心深处的意愿、一步步走进真实的自我。另一个值得一提的共同主题是对以警察为代表的官方势力、权威力量的挑战。在《寂静中的惊奇》中,班多次逃过了纽约街头警察的追捕,类似的场景同样多次出现在《雨果》里。故事中虽然没有绝对的反派,但读者、观众会情不自禁地对火车站的跛脚警察心生不满,他不断地追捕雨果、打算将他送到孤儿院,摆脱权力机构的束缚是这两个孩子生活中极其重要的组成部分。虽然不少人诟病赛兹尼克作品中叙事总是太过牵强,但如果将这些绘本小说放置在童话故事的大框架下,这一问题似乎也就不那么严重了,毕竟赛兹尼克的目的不是讲述一个逻辑上毫无缺陷的故事,而是借由儿童的视角来传递希望:虽然主人公们都有着悲惨的命运,但最终的结局是温馨感人的,通过讲述具有年代感与历史感的童话,让读者、观众感受到一个不受时代限制的信仰的力量:在艰难的社会生活面前,对艺术、对美好生活纯真无邪的欣赏依旧能大放异彩。

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赛兹尼克新作《奇迹之屋》的简体中文版

近日,赛兹尼克的新作《奇迹之屋》的简体中文版刚刚面世。这部荣获2017年英国格林纳威奖的新作一问世就收获了美国各大媒体的好评,《学校图书馆期刊》、《华尔街日报》、《华盛顿邮报》等纷纷强推,台版同样销量不菲。赛兹尼克再度出马,同样是绘本小说,同样是以小男孩为主角,同样是双线叙事,同样是宏大的历史背景,同样极具电影感。不知又有哪位知名导演会将目光投向了这部作品,确实令人期待。

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